Ensayo sobre un fragmento de Susan Sontag.

La relación de la fotografía y la pintura durante el siglo XIX.

Características de una relación.

La foto es un medio relativamente nuevo comparándola con los milenios que lleva la pintura, 200 años aproximadamente suena a un parpadeo, sin embargo hoy son muchísimo mayores las cantidades de fotografías que de pinturas, como en el momento donde despega la industrialización y en menos de un siglo, la humanidad produce una mayor cantidad de objetos que en lo que se había producido durante toda su historia, esta analogía nos sirve para mostrar como aun siendo un infante, la fotografía prácticamente relevo a la pintura en los géneros y actividades que desempeñaba , hoy cuando alguien quiere retratar saca una cámara y dispara , no saca un cuaderno de bocetos y entrega el retrato terminado en una semanas, a menos que el retratado decida someterse a la espera, en vez de ver resultados casi inmediatos, esta cuestión de rapidez represento todo un hecho , hubo pintores que incluso se atrevieron a declarar que la pintura había muerto, qué sentido tiene trabajar en un medio tan lento, cuando la fotografía permite resultados  casi inmediatos y de mejor calidad, la imagen no debe pasar trabajosamente por la mano y el ojo del artista, si no que puede hacerlo de un modo casi automático, como si el hombre frenara su intervención al mínimo y dejara actuar a la naturaleza.

Una relación donde conoces a quien te va a remplazar en el trabajo suena a priori  a una relación de tensión, donde el que es remplazado pone la mayor cantidad de trabas posible al siguiente, en una especie de debate o lucha para conservar su puesto sabiendo que es inútil, pero mantiene su actitud hostil por una vana ilusión del puesto, el nuevo mientras tanto, en su inexperiencia y su falta de poder, no tiene más remedio que sortear las olas y estar a regañadientes bajo el hombre a cargo. Una relación como esta puede ejemplificar la relación entre fotografía y pintura cuando la foto empezó a lucir sus virtudes, el momento donde salió a flote, no como un contrincante todavía, sino más bien como alguien que se distingue por hacer las tareas de siempre a mayor velocidad y con mayor calidad, pero que todavía no goza de todo el reconocimiento.

Ese reconocimiento fue llegando a medida que los procesos se fueron refinando poco a poco, del Dagerrotipo y el Calotipo al coloidon húmedo y de la Ambrotipia a la solución de gelatino bromuro, la fotografía se fue perfeccionando, pronto los tiempos de exposición permitieron tener una fotografía en cuestión de días, la pintura fue perdiendo mercado por el hecho de que la diferencia entre un retrato pintado y uno fotográfico ya no era tan grande, incluso se pudo eliminar algo del problema del color mediante retoques de pintura sobre la foto; pero la verdadera razón estribaba en que la gente que quería ser retratada como se veía, apreciaban el hecho de que la foto fuera un recorte de la realidad que tuviera la calidad de un documento y que este documento aparecía en un tiempo muchísimo más cercano al que transcurre en la propia realidad, la ironía de la pintura consistía en que para captar un instante con todo el detalle y precisión de momento, se necesitaban semanas o meses.

En la antigua gama de posibilidades de la pintura, estaban los cuadros de género , entre estos estaba el retrato , el paisaje , el bodegón y el cuadro histórico, la fotografía empezó a apropiarse de estos en una acto reflejo, un nuevo medio siempre tiene restos del anterior, pero a medida de que las cámaras se hacían más portátiles y los tiempos de exposición más cortos , la fotografía rebelo que podía mostrar nuevas facetas a los géneros tradicionales , en el retrato por ejemplo utilizando el close-up , el acercamiento al rostro hasta dejarlo aislado, o la forma en que podía captar escenas de la vida cotidiana con mayor naturalidad , la fotografía mostraba que las cosas podían verse también en el fragmento o al contrario en su grandeza como no lo había pensado un pintor, recordando las fotografías de las urbes desde el cielo, la fotografía era una nueva forma de ver.

A pesar de las innovaciones técnicas la foto fue víctima de acusaciones del mundo de las bellas artes, al declarar que si bien ofrecía vistas novedosas y registros veloces, su dependencia de un medio mecánico, su facilidad de manipulación y su toque impersonal (impersonal pues no contaba con muchas de las cualidades de la pintura, aunque a lo largo del tiempo se descubrió que si tiene otro rango de decisiones personales) demostraban que no era una arte. Con un contexto como este, los fotógrafos que aspiraban a la condición de artistas, tenían que entrar en un régimen pictórico, es decir si la foto era mecánica, tenían que volverla manual, tenía que adquirir virtuosismo, los procesos de rebelado muchas veces se combinaron con el grabado y ciertas técnicas de retoque, logrando efectos evanescentes y dispersos, un ataque o un rechazo a la parte mecánica de la cámara, la foto no nacía cuando se presionaba el obturador, si no después de un intenso proceso de rebelado.

Este movimiento centrado en el rebelado, en el efecto de desenfoque pretendía mostrar a la fotografía como algo tan noble como la pintura utilizando los recursos de la pintura, pero mientras transcurría el siglo XIX distintos pintores abogaron por la fotografía, quizás la pintura fuera arte y la fotografía no, pero las ventajas técnicas que aporta son innegables, como lo demuestra el uso de fotografías por Delacroix para remplazar modelos y su manipulación material foto-sensible, el uso de encuadres fotográficos en Toulouse-Lautrec (por los elementos recortados) y en Degas por el uso de cianotipos y encuadres.

Podríamos concluir que la relación entre fotografía y pintura es conflictiva durante el siglo XIX, por la novedad del medio fotográfico y la crisis que provoco en la pintura, de cómo la fotografía “artística “estuvo bajo un fuerte influencia pictórica para validarse y desprenderse poco a poco de lo pictórico y por ultimo como el interés en la fotografía de pintores o dibujantes rebela la integración de lo fotográfico al viejo medio y abre las puertas para su paulatina adopción como arte.

Visita al taller de Luis Ricaurte.

Un paseo por las nuevas técnicas escultóricas y gráficas.

En esta visita pudimos apreciar como las nuevas tecnologías pueden generar dos tipos de cosas; por un lado actualizar las técnicas tradicionales, tanto gráficas como como esculturales, o generar nuevos procesos. A lo largo de la visita nos enseñó como la combinación de la tecnología y el arte puede provocar combinaciones muy afortunadas y como la tecnología puede resolver de otra forma a las técnicas tradicionales o dicho de otro modo, a las viejas tecnologías.

La visita comenzó al llegar al estudio, un lugar sorprendente con equipo de primera y tres pisos, cada uno de ellos dedicado a algo distinto, el de abajo como bodega, el segundo dedicado a los procesos digitales e impresión Tres-D y el tercero como taller de impresión.

Los procesos que vimos se pueden dividir entre gráficos y escultóricos, entre el proceso gráfico destacaba:

1 El corte a rayo láser, donde se puede hacer un corte de gran precisión, en el caso de artista nos mencionó como estos recursos podían servir para hacer xilografía, una especie de grabado a punta seca o collage de papel, todo empezaba por un diseño en la computadora, un dibujo o una fotografía, hasta pasar la placa de acrílico o madera por la máquina para generar la matriz, de ahí se volvía una placa para grabado común y corriente.

2 Diseño virtual, el artista nos mostró como con una pantalla táctil y una lápiz virtual, se podían hacer dibujos con múltiples efectos y calidades de línea, similares a los de la realidad, con la ventaja de que estos dibujos se podían mandar de inmediato a hacer en corte laser. La otra parte era el uso de un programa de modelado virtual similar a auto cad, donde nos explicó la mecánica de la impresión Tres D , primero se modela en la computadora y después se manda a hacer en una maquina especial , utilizando un proceso aditivo al verter un material caliente , el resultado final es sorprendente pues salen piezas de gran complejidad, en el caso del artista similares a estructuras microscópicas y por si fuera poco ,el material del que se pueden hacer estas esculturas, puede ser desde plástico de alta resistencia o materiales como el gluten, un material comestible.

Como conclusión de la visita, vale la pena indagar acerca de las nuevas tecnologías y su modo de aplicación en el arte, ya que esta tecnologías no solo emulan técnicas clásicas, si no que generan nuevos procesos totalmente novedosos como en caso de la impresora Tres D , generando formas prácticamente imposibles de fabricar con métodos tradicionales, en resumen vale la pena perderle el miedo a las nuevas tecnologías.