Tipos de paisaje

Me gustaría hacer una reflexión sobre los tipos de paisaje y las reflexiones asociados a estos, no indagare en todos las facetas del paisaje pero si lo hare en algunas; la divisiones no son tan estrictas, sin embargo ayudan a delimitar el tema. Los tipos de paisaje que abordare son el paisaje puro, entendido como un ambiente rural o un lugar sin intervención notable del hombre, el paisaje abstracto, considerándolo como un evolución del paisaje, sugiriendo, en vez de representarlo con todo detalle y por último el paisaje urbano, un ambiente creado por el hombre, el nuevo lugar donde se desarrolla la vida. Los tipos de paisajes que seleccione tiene relación con los pintores y los fotógrafos que encontré, mi intención es mostrar de manera somera algunos de los intereses del paisaje.

El paisaje puro.

Este es el lugar que vio nacer a los primeros hombres, en este sitio dimos nuestros primeros pasos como humanidad, antes de refugiarnos en las cuevas, los interiores de esos días, estábamos a la intemperie, no teníamos un refugio de cuatro paredes, el paisaje abierto era nuestra territorio, es el lugar donde se consiguen recursos pero donde también uno puede convertirse en recurso de alguien más, un lugar fundamental para vivir pero que también puede arrebatarnos la vida con facilidad, hoy en día para muchos citadinos, estas cuestiones del paisaje y la naturaleza como un lugar amenazante siguen presentes , pero nos hemos acostumbrado a otro tipo de vida, para muchas personas estos lugares ya no son el escenario de la vida y la muerte, son los lugares de turismo o recreo donde se va cuando se está harto de la cuidad, no pierden su magnificencia, pero hoy los vemos como un lugar de paso, cada vez menos como un lugar para vivir.

Autores como Fay Godwin y Anselm Adams podrían mostrar nuestro sentimiento de pequeñez ante la naturaleza, parecería que no somos nada ante ella, apenas unos breves momentos, como en el valle de Yosemite de Adams o los dólmenes de Godwin, sus obras a veces nos recuerdan el vértigo de algunos paisajes Friedrich, un enfoque ligeramente distinto es el de John Blakemore y Alex Keigsley, la naturaleza sigue siendo grandiosa pero cobra dimensiones más humanas, los paisajes de bosques de Blakemore o las escenas bucólicas de Keigsley, al final todos tiene un aire romántico, la sensación de lo sublime, al menos en parte de su trabajo.

Paisaje Abstracto.

El término de abstracto puede entenderse como una síntesis, agarrar los elementos más fundamentales de algo y así ahorrarse los detalles superfluos, el termino no refleja una actitud tan concreta como en el paisaje puro, las escenas del mar con niebla de Hiroshi Sugimoto , dan la impresión de un Turner, de esos paisajes apenas atisbados donde la luz y el mar son los principales protagonistas, una imagen sublime y a ratos melancólica; por otra parte el paisaje abstracto se puede nutrir de su homologo pictórico, usando algunos de sus recursos más exitosos, los colores brillantes y los contrastes fuertes, como en la obra de Franco Fontana, con sus paisajes de una sencillez y colorido impresionante, parece nutrirse de los pintores Hard Edge .

Paisaje Urbano.

El paisaje urbano es donde la mayor parte de la población actual vive, si el paisaje puro puede relacionarse con la relación del hombre y la naturaleza, la foto del paisaje urbano se relaciona más con una reflexión del propio hombre, la forma en que se interactúa en estos espacios, la vía pública y la residencia privada, los cambios que una cuidad experimenta con el paso del tiempo, la cuidad dividida en términos de clase, son preguntas que no se hacen el paisaje puro, el paisaje urbano puede ser como una introspección, como en el trabajo de John Davies y su incesante interés por el pasado conviviendo con el presente, una iglesia gótica conviviendo al lado de un reactor nuclear y similares ¿Cómo han cambiado las ciudades? ¿No es acaso un batalla entre el pasado y el presente? El paisaje urbano enseña el conflicto, las fotos de Bill Brandt de refugiado en el metro por los bombardeos a Londres, muestran que la lucha por la vida solo se adaptó a un nuevo escenario.

Técnicas antiguas de la fotografía.

Daguerrotipo

Es considerada la primera técnica fotográfica, fue inventad en 1839 por  Louis Jacques Mandé Daguerre con la ayuda de Nicéphore Niépce, aunque recibe el nombre de Daguerre porque Niepce murió, antes de que la técnica diera resultados del todo satisfactorios.

El Daguerrotipo utiliza de base una placa de plata pulida, aunque generalmente se utilizaba cobre para economizar, esta placa estaba sensibilizada con Yoduro de plata, al que después se fijaba con vapores de mercurio sobre la placa. El resultado era una imagen en positivo, aunque según el ángulo de visión podía verse también en negativo, esta imagen tenía varios inconvenientes, uno de ellos era que la placa no podía estar expuesta al ambiente de forma directa, tenía que estar sellada en un estuche y/o vidrio protector, solo producía una imagen única, el tiempo para tomar foto era lento (10 minutos en un principio, hasta llegar a un minuto) y el procedimiento con mercurio era altamente venenoso.

Calotipo

Calotipo o Talbotipo es otro proceso fotográfico que siguió al dageurrotipo, esta vez fue William Henry Fox Talbot de Inglaterra quien descubrió este procedimiento alternativo en 1941.

El Calotipo se deriva de la palabra griega “belleza” καλός (kalos), primero se utiliza como “negativo” una hoja de papel sensibilizado con nitrato de plata y yoduro de potasio, antes de la exposición se le da un baño de nitrato de plata y ácido gálico y después se toma la foto, una vez que el negativo está seco, se ve una imagen apenas perceptible en el papel , es necesario dar un baño extra de nitrato de plata y ácido gálico fijar con hiposulfitos y sumergirlo en un baño de cera para lograr el negativo final. La fotografía como tal se lograba superponiendo este negativo seroso de forma directa sobre el papel sensibilizado con nitrato de plata.

Al igual que el dageurrotipo, al calotipo presentaba los desperfectos de un tiempo de exposición demasiado largo, pero esto se fue corrigiendo con el tiempo de unos 30 min a 30 seg, aunque cuenta con la ventaja de que puedes producir un número ilimitados de copias aunque del mismo tamaño que el negativo.

Gelatino Bromuro

El proceso de Gelatino bromuro o Colidion húmedo fue inventado por Gustave Le Gray en 1951, el adjetivo de húmedo es porque este proceso se necesita realizar mientras el negativo está fresco, por lo que se necesitaba toda un carpa o toldo para realizar el proceso.

La base de esta forma de impresión es una placa de vidrio, sensibilizada con el nitrato de plata y aglutinada con el colodión o mejor llamado algodón-polvora una especie de barniz, cuya principal base es la celulosa nítrica, la combinación de la plata y colodión sobre el vidrio era la placa lista para tomar la foto, después de que la foto se tomaba se pasaba a revelarla inmediatamente.

La ventaja del colodión es que el tiempo de exposición era bastante rápido parte de que se podía fijar la imagen sobre piel, cerámica o fierro, aunque tiene como desventaja, que se necesita un cuarto de rebelado cerca aparte de la fragilidad de las placas de vidrio , de que re rallen o rompan.

Ensayo sobre el retrato.

El retrato dentro de la vida intima

La vida íntima es un espacio donde las normas sociales exteriores se relajan, es un lugar donde las  cosas suceden a puerta cerrada, un espacio misterioso y oculto, donde solo somos juzgados o vistos por las personas de más confianza, es un lugar privado. El retrato puede cobrar una dimensión extra, no solo consiste en mostrar a la persona en sí, si no también su entorno, como si su ambiente fuera un extensión de ellos, así, el retrato puede ser más cabal, no solo muestra como somos físicamente, sino también como luce lo que está a nuestro alrededor, el espacio donde queremos y/o podemos vivir.

Para que un retrato sea un retrato, tiene que distinguirse de quien se habla, esto no quiere decir que la biografía de la persona nos venga a la cabeza automáticamente, sino que debe darse forma a una identidad, es como si oímos un nombre pero ese nombre no nos dice nada, al ver la imagen de esa persona, ya no es algo abstracto, es alguien.

Antes de la fotografía, la pintura se encargó de mostrar estos espacios y la gente que habitaba en ellos, la tendencia a retratar a las personas dentro de espacio privados reales, a diferencia de los cuadro religiosos o escenas mitológicas, data de la contrarreforma, aunque hay muchísimos ejemplos anteriores, el éxito de la representación de la casa y los temas hogareños como un tema valido y a la altura de los otros géneros es inédito, a menudo las representaciones de la vida doméstica se representaban mas en grabado o al fondo de las pinturas, pero a partir de Lutero las representaciones religiosas se consideran idolatría, por lo tanto géneros como el bodegón y las escenas de la vida privada y pública se vuelven aceptadas al servicio de los nuevos burgueses.

Los pintores que retratan esta vida son numerosos, entre ellos podemos incluir a la pintura holandesa del siglo XVII y posteriormente a varios pintores del siglo XVIII en varias partes de Europa, algo que podría unir a varias de estas representaciones son quienes las encargan, los burgueses, la gente que decide representar su vida, es porque tiene 2 razones, le gusta y se siente satisfecho con ella y porque tiene los medios económicos para hacerlo, así un artista como Francoise Boucher o Jean Honore Fragonard de Francia son bastante representativos del rango de posibilidades de retrato y la vida íntima, pintan escenas de pastorales , diversiones aristocráticas, cuadros mitológicos y los más sorprendentes, escenas eróticas.

Lo sorprendente de las escenas eróticas es que son escasamente representadas en occidente y por lo general eran imágenes de corta circulación, pensando en cuadros como “La resistencia inútil” de Fragonard o “Hercules y Onfale” de Boucher, eran cuadros destinados a lugares privados, no públicos, si bien no muestran escenas de penetración  de forma directa u otra práctica sexual explicita, el sexo fue uno de los aspectos menos representados en la pintura occidental o sus representaciones se mantenían siempre a escondidas , en este caso en la residencias de los aristócratas.

Otro caso ejemplar de como el sexo estuvo vetado de la representación, es el cuadro de el origen del mundo de Gustav Courbet, este cuadro es un acercamiento a la vagina de su amante, Joanna Hiffernan, mostrando el vello púbico y los labios exteriores, pese a que fue hecho en 1866, se expuso hasta 1995, aun hoy en día las imágenes de sexo explícito causan tanto escándalo.

Aun así cabe añadir que se podría ver un progresivo avance en la forma en que se retrataba el sexo, la llegada de la fotografía, junto con el avance de lo laico en la sociedad, permitieron poco a poco la difusión de estas imágenes, de este aspecto de la vida intima, otros aspectos de la vida privada no se vieron tan limitados por no estar ligados a cuestiones tan controvertidas como el sexo.

Podemos dar un salto a los 60, los años donde todo se cuestionó, incluido el sexo, así podemos llegar a la obra de Nan Goldin y Robert Mapplethorpe, fotógrafos que retrataron el sexo de forma directa y que incluso se llegaron a autorretratar en prácticas sexuales, desde el punto de vista de este ensayo,  serian (en especial Goldin) los continuadores del retrato dentro de la vida privada, dan un cambio de la forma de plasmar la vida privada, poniendo énfasis en el sexo, un aspecto reprimido.

Ellos dan la cara, muestran su ambiente inmediato y no temen mostrarse, muestran a comunidades vedadas a lo largo de generaciones, la comunidad LGBTTT, con Goldin Y Robert, sabemos de su existencia y sobre todo con Goldin asistimos al desarrollo de su vida, los espacios donde se mueven, las parejas que tienen y muchas veces como sus vidas terminaron con el VIH o SIDA.

Goldin Y Mapplethorpe  actualizan y retoman el tema del retrato en un ambiente especifico, lo hacen con un nuevo medio que les permite nuevos enfoques y nuevas formas de mirar, pero haciendo referencias directas o indirectas al pasado del retrato, desde los desnudos musculosos y de apariencia inmaculada en Mapplethorpe, con sus referencias al desnudo grecorromano o Nan Goldin retomando a ratos la iluminación del barroco o escenas intimas del romanticismo, pero incluyendo nuevas miras al incluir temas antes ocultos, como otras formas de sexualidad o los conflictos de pareja.